dimanche 11 décembre 2011

Œdipe explique l'énigme du sphinx

Je vous salue très chère internautes.L'exposé que j'ai préparé aujourd’hui se nomme Œdipe explique l'énigme du sphinx,peinte par Jean-Auguste-Dominique INGRES
Cette toile a était peinte vers 1808.Elle fait de hauteur 1.89m et 1.44m de longueur
ÉTUDE RAPIDE DE L’ŒUVRE:
Œdipe et le Sphinx, 1808, musée du Louvre, Paris.

Cette œuvre existe en deux versions. La première, soit celle-ci, date de 1808 puis Ingres a repris ce même thème en 1864. Cette toile est destinée à l’Académie des Beaux-Arts qui a souvent été féroce vis-à-vis des envois du peintre. Ici, Œdipe est représenté comme un beau jeune homme athlétique (comme le veulent les représentations classiques à cette époque) en pleine réflexion placé en pleine lumière. On remarque en arrière-plan la ville de Thèbes. Le sphinx, d’allure féminine, est tapi dans l’ombre, il représente les forces obscures. Ces deux choix ont une signification relativement simple : l’homme est du côté de la lumière, donc de la raison, tandis que la femme est du côté sombre. Cependant, ce corps humain ne respecte ni la vérité anatomique, le corps d’Œdipe est « bancal », ni la beauté idéale, il n’y a pas cette fiction d’une vérité autonome et on reproche à Ingres la physionomie pas suffisamment idéaliste d’Œdipe. Le peintre préfère sa propre logique pour sa beauté. Ce n’est d’ailleurs pas un modèle de héros antique qui est utilisé mais un jeune homme italien venu poser dans l’atelier d’Ingres.
Ainsi, Ingres teste ses professeurs en soumettant un nouvel idéal.

DESCRIPTION APPROFONDIE DE JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES:

M. Ingres fut l’élève du maître de l’école néo-classique, Jacques-Louis David, mais il a finalement cherché à s’éloigner du travail de celui-ci, inscrivant ses toiles dans le courant romantique.Ingres est né à Montauban en 1780. Son père, Jean-Marie-Joseph Ingres, était également un artiste dont il suit les traces. Il étudie à l’Académie de Toulouse, puis apprend son métier en reproduisant les formes du corps humain grâce à David. Il obtient le prix de Rome en 1801 avec Achille recevant les ambassadeurs d’Agamemnon (conservé à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris) seulement cette même année, la villa Médicis étant fermée, Ingres ne peut pas se rendre à la capitale italienne pour recevoir son dû. En compensation, il reçoit toutefois un certain nombre de commandes et c’est le portrait de Napoléon Bonaparte en premier consul de 1804 (musée d’Art Moderne) qui anime la critique. On reproche à Ingres de régresser : ce tableau est politique, il est destiné aux Pays-Bas et Ingres prend donc exemple sur le travail de Van Eyck, peintre flamand du XVe siècle. De plus, ce portrait a un problème chromatique, le rouge de la tenue de Napoléon est éclatant alors que dans la formation classique, la couleur doit être strictement subordonnée au dessin.

Ingres trace sa route mais lorsqu’il expose au Salon, les critiques le traitent de chinois égaré dans Athènes, on dit de lui qu’il veut retarder la peinture de quatre siècles. Au même moment, il entretient une rivalité avec Eugène Delacroix. Ingres doit attendre l’âge de 40 ans pour être vraiment reconnu en tant que tel. L’incompris devient alors professeur à l’école des Beaux-Arts et membre de l’Académie des Beaux-Arts, il est couvert de décorations.

Pour cause de non existence appareille photo,l'on se faisait des autoportrait don voici un des autoportrait de Jean-Auguste-Dominique INGRES

QU'EST-CE QUE LE NÉO-CLASSICISME:

Le Néo-classicisme apparaît dans le dernier tiers du XVIIIème siècle, puisant notamment ses inspirations de la légendaire Rome antique et se basant sur de sérieuses études archéologiques.les néo-classiques aboutissent à la rigueur du style Empire. Ils condamnent sans appel les écarts et dépravations dont fait preuve la société de l’époque.Le collorisme et les formes complexes sont remplacés par une recherche de perfection et de vertu, les artistes allant jusqu’à modifier la nature pour la rendre davantage parfaite. Ingres, David, et Gros sont les principaux peintres de ce mouvement qui s’étend à peu près de 1760 à 1830. Le style néo-classique s’étendra dans toute l’Europe avec les conquêtes napoléoniennes, touchant même les États-Unis.
A PROPOS DU MYTHE D'ŒDIPE:
Le mythe d’Œdipe est avant tout conté dans la tradition orale.
Œdipe est le fils de Laïos et Jocaste, roi et reine de Thèbes, une cité grecque, qui, après avoir consulté la Pythie (l’oracle d’Apollon), apprennent que leur fils tuerait son père et épouserait sa mère. A la naissance de Œdipe, on abandonne l’enfant sur une montagne, pieds liés. Il est cependant retrouvé et confié au roi de Corinthe qui l’élève comme son propre fils. En grandissant, Œdipe apprend qu’il est victime d’une malédiction et veut alors échapper à son destin en s’enfuyant. Sur la route, Œdipe tue Laïos, le prenant pour un voleur alors qu’il s’agit en réalité de son père biologique. Une fois à Thèbes, Œdipe se trouve confronté au Sphinx qui assiège la ville. Il lui pose une énigme : « Qu’est-ce qui marche à quatre pattes le matin, à deux le midi et à trois le soir ? » Œdipe répond juste : « C’est l’homme qui au matin de sa vie se déplace à quatre pattes, qui au midi de sa vie se déplace sur ses deux jambes et qui au soir de sa vie s’aide d’une canne, marchant ainsi sur trois pattes. » C’est ainsi qu’Œdipe se débarrasse du Sphinx et pour le remercier, les habitants de Thèbes le nomme roi et lui donnent la main de la reine veuve. La prédiction de l’oracle s’accomplit.
ŒUVRE CITÉE DURANT LE DESCRIPTION APPROFONDIE DE JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES:

samedi 3 décembre 2011

Transit d'Alexa Meade



Présentation

Transit a été réalisé en 2009 par Alexa Meade. De dimension 18cm par 24cm, il s'agit en fait d'une photo. En effet l'auteur peint sur une véritable personne à l'aide d'un mélange fait "maison" composé de peinture et de produits cosmétiques. Puis elle prend sa création en photo pour obtenir un résultat plutôt impressionnant : On croit à une vraie peinture !
Mais l'artiste ne s'arrête pas là ! Parfois elle fait déambuler la peinture vivante dans des lieux publiques : on parle alors de performance. L'oeuvre devient un spectacle vivant et éphémère. Dans le cas de Transit le "sujet" a pris le métro pour le plus grand étonnement des passagers.














Description

L'oeuvre montre un touriste américain assez âgé. En effet il porte les accessoires du touriste (un caméscope, une casquette, un T-shirt avec le drapeau américain, etc...). Il a les mains derrières le dos, on pourrait donc l'imaginer contemplant un tableau dans un musée. Il est donc d'une certaine façon le reflet des spectateurs de cette oeuvre. Le fond est peint, c'est un détail important car il permet de renforcer le trompe l'oeil : 3D / 2D.

L'auteur

Alexa Meade est née à Washington en 1987. Elle peint depuis longtemps sans avoir pris de cours. Elle a étudié les sciences politiques à New York et a participé à la campagne électorale de Barack Obama en 2008. Elle vit maintenant de son art avec une centaine d'oeuvres à son actif. Elle mêle peinture, photographie et performance.


Alexa Meade s'inspire du fauvisme et de l'expressionnisme, deux mouvements artistiques du XXème siècle ou l'artiste travaille à l'instinct pour accentuer les expressions avec de larges aplats de peintures.

Parmi ces nombreuses oeuvres, on peut voir :

Natura Morta












Blueprint
















J'ai choisi cette oeuvre car la technique de l'artiste m'a beaucoup impressionné, je trouve cela très intéressant et très original. Pourtant peu de personnes connaissent cette artiste, je souhaitais donc partager cette belle découverte...

mardi 29 novembre 2011

Marilyn Monoe, Andy WARHOL.

































INTRODUCTION :



-L'artiste, Andy WARHOL.



Andy Warhol est né en 1928, et décédé en 1987. C'était un artiste américain et l'un des artistes les plus connus du XXème siècle. Il était très amoureux de Marilyn Monroe dans les années 1950-1955, d'ailleurs, ca l'inspirera dans ses oeuvres futures.



-Son mouvement artistique.


Son mouvement artistique est le Pop Art (art populaire). Il a été créé au milieu des années 1950 en Grande-Bretagne, il est caractérisé principlalement par la société de consommation, c'est-à-dire, la publicité, la télévision, les magazines ou encore les bandes dessinées. Il est surtout mis en évidence de façon agressive.





ANALYSE DE L'OEUVRE :






Andy Warhol était également fasciné par la mort, et a donc débuté cette série peu de temps après le décès de l'actrice. Pour la réaliser, il a utilisé une technique, la sérigraphie. C'est une technique d'imprimerie, fondée sur la technique du pochoir. Elle peut être utilisée pour utiliser des impressions sur tout type de surfaces ( papier, tissu, bois ..) (le pochoir est fixé sur un écran de toile)


Dans cette série de Marilyn Monroe, Andy Warhol a voulu "rabaisser l'art" et prouver que l'on pouvait en faire un produit de consommation courante et jetable.


Elle a été peinte en 1962.


Warhol voulait reproduire Marilyn Monroe en grande quantité, comme dans une chaîne industrielle.




Les couleurs sont vives, jusqu'à saturation. La couleur du maquillage des paupières est la même que celle du fond de la toile. Les couleurs sont ici irréelles par rapport à celles de la carnation humaine. Elles sont utilisées pour attirer, voire choquer l'oeil, afin qu'il retienne l'image. Elles sont également fortes, parfois foncées sur certains portraits, font presque disparaître son image. Sur deux des protraits, le visage de l'actrice ressort bien. ( sur le 2 et le 10 ). Ce sont les deux qui se rapprochent le plus de la réalité, en terme de couleurs, la couleur des cheveux, de peau..



Sur d'autres, son visage est comme écrasé sous les couleurs ( 1, 4, 8 et 9 ), voire sombres ( 3, 5, 6) où le visage paraît comme effacé.



Par l'assemblage de ces portaits, Andy Warhol revèle la mort de l'image, en parallèle aec la mort de la celebrité, la montrant sous des jours fastes, puis obscures.


La deuxième de trouve actuellement au Musée d'Art Moderne de New York. Elle est appellée " Marilyn Monroe dorée ". (image ci-dessous)













MON AVIS :



J'ai choisi cette oeuvre car c'est une oeuvre moderne, que c'est une oeuvre interessente à étudier, ce n'est pas une oeuvre "triste" en terme de couleurs, ce sont des couleurs vives, c'est agréable à regarder.




AUTRE OEUVRE DU MEME ARTISTE :





Manon.

dimanche 27 novembre 2011

La Poupée de Hans Bellmer

Mais qui est Hans Bellmer ?

Hans Bellmer est peintre; photographe ; dessinateur ; graveur et sculpteur franco-allemand. Il est né le 13 Mars 1902 à Kattowitz en Allemagne. C'est là bas qu'il passera son enfance. Mais en 1933, il quitte son pays suite à l’arrivée des nazis et de leurs idées antisémites. Il fut notamment arrêté au début de la seconde guerre mondiale en tant que ressortissant allemand. Il fut donc emprisonné au Camp des Milles en compagnie de Max Ernest entre autres. Bellmer est considéré comme un artiste appartenant au mouvement surréaliste. Il mourut le 23 Février 1975 des suites d'un cancer de la vessie.




Naissance de l’œuvre ?

C'est en 1933 ; après avoir déserté son pays natal : L’Allemagne que nait l'idée de '' La Poupée ''. D'abord conçue en peinture sous le nom de '' Die Puppe '', c'est ensuite en 1934 avec l'aide de son frère que Hans Bellmer construit sa poupée aux 4 jambes. La provocante poupée devient vite l'instrument d'une réflexion inédite sur le corps. Il met sa poupée dans plusieurs positions, dans plusieurs environnements créant ainsi plusieurs scénarios qu'il prend en photo. Ses photos sont majoritairement polychromes c’est-à-dire qu’il changeait de teinte sur une même photo. A partir de 1935, ces photos apparaissent dans le magasine : Minotaure. Son œuvre est très vite qualifiée d’art dégénéré par les nazis.


La poupée : Un drôle d’objet ?




La provocante Poupée est un objet AMOVIBLE en bois peint, papier mâché et différents autres matériaux.
La poupée est souvent qualifiée de monstrueuse à cause de son visage meurtri qui apparaît triste, limite battu et de ses membres que l’on peut amputés à notre guise. Elle est aussi impressionnante à cause de sa taille réelle (1m40). C’est une jeune fille aux formes aussi diverses que délirantes. Coiffée d’une coupe à frange terminée par un nœud serré cette poupée, ne demande qu’à être utilisée.
Elle sera qualifiée d'objet érotique et sensuel car elle sert à démontrer l’inconscient physique. Elle est à mi-chemin entre la perversité et la mort ainsi qu’entre l’animé et l’inanimé.
La poupée de Bellmer est une œuvre surréaliste car elle exprime le fonctionnement réel de la pensée. Cela libère l’œuvre de toute logique. Mais il veut aussi nous faire part de réalisme car il fait l’effort de l’habiller (chaussette, chaussures).

Pourquoi avoir choisi cette œuvre ?


J’ai choisi cette œuvre car c’est une œuvre que j’ai vue en vrai lors de l’exposition ‘’ Chefs d’œuvres ? ‘’ Au Centre Pompidou de Metz. Celle-ci a tout de suite attiré mon regard,  par ses formes et sa posture.
Ce que j’apprécie dans cette œuvre c’est qu’au premier regard on est "écœuré" de cette fille, on la prendrait presque pour un monstre. Mais lorsqu’on décode cette œuvre et qu’on réfléchit, je la trouve tout simplement géniale.


Valentin POCHETAT